Топ-100 самых известных русских художников

Луиза Буржуа

Творчество Луизы Буржуа не зря называют энциклопедией современного искусства — кажется, нет такого материала и жанра, который эта великолепная женщина не опробовала за свою 80-летнюю творческую карьеру: от акварели до вышивки, от мягкой текстильной скульптуры до гигантской бронзовой «Мамы»-паучихи, которая готова заключить зрителя в свои жутковатые, но заботливые девятиметровые объятия.

Образы из детства в дисфункциональной семье с отцом, открыто изменявшим матери (см. инсталляцию «Разрушение отца»), художница анализировала и развивала всю жизнь: всю свою тревогу, раздражение, ужас, восхищение и боль Буржуа транслировала вовне — сама скульптор говорила, что занимается «арт-экзорцизмом». Кроме трогательных и острых образов, связанных с домом, семьёй, рождением и смертью, в творчестве Буржуа постоянно встречаются сексуальные метафоры: в работах вроде «Девочки» 1968 года (это огромный пенис из латекса, подвешенный на крюк, как туша в лавке у мясника) Буржуа высмеивает фаллоцентричную культуру и в частности сюрреалистов, которые не пускали женщин в свой кружок. Незадолго до своей смерти в 2010 году Буржуа создала работу «I Do», поддержав права ЛГБТ.

Последние статьи

• 10 самых дорогих и роскошных украшений знаменитостей от классики до кича сегодня, 12:28

• Забытый скульптор-самоучка и педагог, благодаря которому в СССР появились пионеры: Иннокентий Жуков сегодня, 11:41

• Как сложилась жизнь младшей сестры Жаклин Кеннеди: Безупречная Ли Радзивилл сегодня, 09:29

• Как одна случайность трагически изменила жизнь художника, которого обажали во Франции и не замечали в России: Ранний уход Борисова-Мусатова 24.09.2021, 23:36

• Единственное место в СССР, где Германия пыталась, но не смогла перейти советскую границу 24.09.2021, 21:38

• Как воспитанница приюта стала законодательницей мировой моды: Коко Шанель 24.09.2021, 19:24

• Почему у незнакомых людей могут быть похожие воспоминания: Эффект Нельсона Манделы 24.09.2021, 17:52

• Как украинский гетман Дорошенко трём господам служил 24.09.2021, 16:11

• Как брат одного из главных нацистских преступников спасал людей во время войны: Альберт Геринг 24.09.2021, 13:43

• 6 знаменитостей, которые родились в семьях с криминальным прошлым 24.09.2021, 11:55

Все статьи

Марина Абрамович

Марина Абрамович считается сегодня одной из главных фигур в искусстве перформанса. Кроме того, она занимает пятое место в списке 100 самых влиятельных людей в искусстве Art Review 2014 года, а по количеству упоминаний в прессе, включая светскую хронику, может соревноваться с голивудскими звездами. В своем творчестве Марина Абрамович тоже стремится к максимальным результатам, испытывая до предела возможности своего тела и психики. К примеру, один из самых известных ее перформансов мог закончиться для Абрамович летальным исходом: художница разложила на столе 72 разных предмета и пригласила зрителей взять любой из них и использовать по своему усмотрению на теле художницы. Среди предметов, помимо роз и боа из перьев, был заряженный пистолет. 

Муза в образе Демона

Творчество Михаила Врубеля, первого русского художника-символиста конца ХІХ, в первую очередь известно по его иллюстрациям к произведениям Лермонтова. Образ лермонтовского Демона можно часто встретить в его картинах. Но в молодые годы Михаил расписывал церкви и писал ангелов. И вдохновение ему дарила Эмилия Прахова, жена профессора Адриана Прахова.

Врубель/Демон сидящий

Профессор очень долгое время искал человека, который мог бы отреставрировать фрески XII века в Кирилловской церкви. Однажды он услышал о начинающем художнике Михаиле Врубеле и позвал его к себе, где и познакомился со своей музой. Во время реставрационных работ до Адриана доходят слухи, что у его жены появился молодой любовник в лице Михаила. Опасаясь за свой брак, он решает избавиться от соперника и отправляет художника в Италию, чтобы тот закончил работу над четырьмя иконами – «Иисус Христос», «Святой Афанасий», «Святой Кирилл», «Богоматерь с младенцем». Врубель пробыл в Венеции 3 месяца и закончил всю работу. Однако многие в образе Богородицы увидели черты лица Эмилии, а в образе Иисуса Христа – портрет ее маленькой дочери Оли. Прахова не оценила творчество и прервала отношения с Врубелем. Единственное, что оставалось художнику – это рисовать любимую. И он продолжал. Удивительно, но искусствоведы угадывают черты Эмилии Праховой даже в поздних работах художника – в знаменитом шедевре «Демоне сидящем».

Наталья Гончарова

Вклад «амазонки русского авангарда» Натальи Гончаровой в историю искусства оценивается наравне с творчеством одного из «отцов авангарда» и ее мужа Михаила Ларионова. В своем творчестве художница экспериментировала с самыми разными жанрами — от импрессионизма до кубофутуризма, — благодаря чему выработала собственный выразительный живописный язык. Наталья Гончарова оставила после себя огромное наследие — на ее ретроспективной выставке в Третьяковской галерее было представлено около 400 работ. Гончарова считается одним из наиболее популярных российских художников на арт-рынке: ее «Испанка» входит в десятку самых дорогих русских картин, когда-либо проданных на аукционе.

Рене Магритт

Бельгийский художник получил признание за загадочные сюжеты своих работ — он стал одним из самых известных сюрреалистов наряду с Дали.

«Влюблённые», 1928 год. Изображение: Рене Магритт / Королевские музеи изящных искусств, Брюссель

Однако Магритт не сразу имел возможность всецело посвятить себя живописи. В молодости он зарабатывал на жизнь, создавая полиграфию в стиле ар-деко — делал обложки для нотных записей музыкальных номеров и рекламные плакаты для бельгийского модного дома «Норин».

Рекламный плакат модного дома «Норин», 1924 год. Изображение: Рене Магритт / Королевские музеи изящных искусств, Брюссель
Обложка для нотных записей, 1925 год. Изображение: Рене Магритт / Королевские музеи изящных искусств, Брюссель

Даже добившись признания как художник, Магритт ещё возвращался к жанру рекламного плаката — но уже создавал графику в своём авторском стиле:

Китайская живопись Цзя Айли

Начиная с нулевых годов Китай стал вносит свой неоценимый вклад в формирование плеяды лучших современных мировых художников. Живописцы из Поднебесной работают во всех основных стилях изобразительного искусства и некоторые из них занимают первые позиции по популярности и всеобщему признанию в мире живописи. Китайский художник Цзя Айли пишет свои картины в двух направлениях, одно из которых имеет ярко выраженный абстракционизм, а второе претендует на классификацию его работ в стиле фэнтезийного жанра Эда Эмшвиллера. Героями картин восточно-азиатского художника часто бывают китайские пионеры и в целом молодежь Поднебесной. Нередко художник изображает в своих картинах постапокалиптические миры и актуализирует идеи избавления человечества от атомного оружия.

Художник Цзя Айли (Jia Aili) родился в Даньдуне, Китай, в 1979 году. На данный момент китайский живописец живет и работает в Пекине. В 2004 году он окончил Академию Изящных Искусств Лу Сюня, где впоследствии стал преподавателем. С 2007 года Айли сосредоточил свою работу исключительно на карьере художника.

Выставка Цзя Айли в «Gagosian Gallery», 2019, Нью-Йорк
«Божественное государство», 2012, масло, холст
Без названия, 2012, масло, холст
Без названия, 2015, масло, холст

Немецкий художник Георг Базелиц

Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.

Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.

«Девушки из Олмо II», 1981, масло, холст
«Ухмылка Гринберга», 2013, масло, холст
«Пожиратель апельсинов», 1981, масло, холст
«Очень большой Франц Пфорр», 2006, масло, холст

Ольга Розанова

Еще одна «амазонка русского авангарда» родилась в 1886 году во Владимирской губернии. В 1905 году она переезжает в Москву, чтобы получить художественное образование, посещает Училище живописи и скульптуры Анатолия Большакова и школу Константина Юона. В 1911 году Розанова вступает в петербургское общество «Союз молодежи» и начинает писать в стиле неопримитивизма и фовизма. Ее картина «Портрет А.В.Розановой» производит фурор в творческой среде и печатается в журнале «Огонек» по соседству с работами Казимира Малевича.

В 1913 году она становится членом комитета «Союз молодежи» и пишет манифест организации: «В беспрерывном обновлении будущее Искусства!» Тогда же она постепенно начинает переходить от фовизма к футуризму. В 1914 году Ольга участвует в римской Международной свободной футуристической выставке. Затем ее работы выставляются на знаменитых выставках «Первая футуристическая выставка “Трамвай В”» и «0,10». Там выделяют ее алогистические работы, в которых супрематизм соединяется с элементами кубофутуризма. 

Ольга Розанова «Портрет сестры, Анны Владимировны Розановой», 1912 г., Екатеринбургский музей изобразительных искусств

В 1915-1916 годах она создает графические композиции для заумных стихов поэта-футуриста Алексея Крученых, которые он называет заумной живописью. В тот же период она пишет супрематические полотна, которые высоко ценил и основоположник направления Казимир Малевич. Розанова вступает в его общество «Супремус», становится секретарем организации и одноименного журнала. Начинает работать с цветописью и создает свой главный шедевр — «Зеленую полосу». Это полотно выходит за рамки всех существовавших тогда направлений, Розановой удается создать что-то поистине уникальное. Но до 1970-х годов эта картина вместе с ее автором будет предана забвению.

Вскоре после написания «Зеленой полосы» Ольга Розанова умирает от дифтерии в петербургской инфекционной больнице. Ей было всего 32 года.

Дочь художника из Равенны Барбара Лонги (1552-1638)

Ещё одна женщина, заслужившая упоминание в легендарном труде Джорджо Вазари. Живописец отмечал «безукоризненное изящество» цветовой палитры полотен Барбары и «хорошую манеру исполнения». Ничего удивительного: девушка была погружена в художественную среду с самого рождения.

Её отец Лука Лонги был известным маньеристом, старший брат тоже занимался живописью. Связь Барбары с семьёй никогда не прерывалась. Всю свою жизнь художница прожила в Равенне, не покидая отчего дома и, судя по всему, так и не выйдя замуж.

Барбара Лонги «Поклонение Мадонны младенцу Христу» (ок. 1605) / Художественный музей Уолтерс, Маунт-Вернон

Единственным интересом Барбары были картины. Она писала портреты на заказ и вела переговоры с меценатами, позировала отцу и даже бралась за работу по росписи церковных алтарей. А её картины на библейские сюжеты можно назвать первой попыткой арт-терапии: изображая себя в смиренном образе праведницы, она пыталась преодолеть грех тщеславия.

К сожалению, большую часть картин Барбара из скромности не подписывала. Исследователи полагают, что отдельные работы, считающиеся сейчас творческим наследием её отца, на самом деле принадлежат её кисти. Сейчас полотна художницы представлены в собраниях Лувра, Национальной Пинакотеки Болоньи и Пинакотеки Брера в Милане.

Софонисба Ангвиссола «Автопортрет у мольберта» (1556) / Замок Любомирских, Ланьцут

Луиза Буржуа

Известность пришла к Луизе Буржуа далеко не сразу. Хотя художница и дружила с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и Марком Ротко, достичь сравнимого с ними уровня известности ей удалось лишь в преклонном возрасте. В начале 1970-х годов работы 60-летней Луизы Буржуа стали популярными на волне интереса к зарождающемуся тогда движению феминистского искусства. Луиза Буржуа всегда выступала за права женщин на художественной сцене. Она говорила: «Художнице никогда не дадут спокойно работать, если она не будет раз за разом доказывать свое право на существование в мире искусства». Уже в 1981 году состоялась ретроспективная выставка художницы в MоMA. В последние 20 лет жизни Луиз Буржуа создавала ставшие ее визитной карточкой рисунки и скульптуры огромных паучих. Для художницы фигура паука была одновременно воплощением детских страхов и напоминанием о матери, ее лучшем друге и защитнице. 

1. Леонардо да Винчи

Одним из самых гениальных людей за всю историю можно с уверенностью назвать Леонардо да Винчи. Этот человек сумел прославиться не только как талантливый художник и скульптор, но и как гениальный исследователь, учёный, инженер, музыкант, философ и химик. Высокой оценки заслуживают и картины Леонардо да Винчи. До нашего времени сохранились лишь 17 из них: «Джоконда», «Тайная вечеря», «Благовещение» и другие.

Родился Леонардо да Винчи весной 1452 года в Анчиано. Он переезжал из Флоренции в Венецию и обратно, служил нескольким герцогам Милана, пережил годы войны между Италией и Францией, вёл переговоры между Папой Римским и французским королём, соперничал с известными художниками Микеланджело и Рафаэлем.

В начале 1516 года Леонардо да Винчи начал служить королю Фрэнсису I, почти сразу расположив к себе монарха. Для талантливого художника корона выделила усадьбу Кло и достойную пенсию. Здесь Леонардо и прожил три последних года своей жизни, оставив после себя множество незаконченных шедевров живописи и неразгаданных посланий.

Смелые идеи. Топ-15 известных модернистов, кубистов и конструктивистов

Родственным авангардизму является модернизм. Модернисты тоже выступали против застоя в живописи, против сложившихся канонов и направили усилия на поиск новых художественных средств. Так, Павел Филонов рисовал картины с помощью цветовых ячеек и разработал аналитическое искусство. Николай Фешин часто рисовал картину не кистью, а мастихином, и добивался удивительных тающих переходов от одного участка к другому. Исаак Бродский не просто рисовал, а словно бы ткал тонкие кружева, добиваясь высочайшей ажурности картин. Роберт Фальк смешивал разные приемы, добиваясь пластичности и экспрессии изображения.

П. Филонов. «Формула весны». 1928-1929 гг.

Н. Фешин. «Портрет мадемуазель Подбельской». 1912 г.

И. Бродский. «Фейерверк». 1916 г.

Еще одной разновидностью авангардизма является кубизм. Художники этого направления экспериментировали с дроблением картины на разнообразные геометрические фигуры, в частности кубы. Так как интерес к этому стилю не мог закончиться на простом дроблении, то у каждого художника кубизм проявлялся в соответствии с его мироощущением и всем его художественным опытом. Так, в работах Аристарха Лентулова даже разложенные на фрагменты картины передавали огромную жизнерадостность художника. Вера Рохлина выделяла грани цветом, что помогало зрителям уходить от рассмотрения деталей к общему восприятию картины.

А. Лентулов. Картина «Василий Блаженный». 1913 г.

В. Рохлина. Холст «Окрестности Тифлиса». Около 1919 г.

Кирилл Зданевич и вовсе пришел к идее оркестровой живописи, которая разрешала художнику использовать в одной работе не только разные стили, но и разное понимание самой живописи. К числу талантливых кубистов также относятся эпатажная Тамара де Лемпицка, академик АХ СССР Петр Кончаловский, оригинальный портретист Юрий Анненков, новатор Александр Богомазов, талантливый художник Иван Клюн и кубист Макс Вебер, учивший Марка Ротко.

К. Зданевич. «Оркестровый автопортрет». 1917-18 гг.

К русскому авангардизму относятся и конструктивисты, которые находили новые формы в производственном искусстве. Благодаря таким известным художникам-конструктивистам, как Александр Родченко, Василий Ермилов, Варвара Степанова и многим другим, авангардизм перебрался на одежду, отразился в рекламных плакатах, иллюстрациях книг и нашел другие практические применения.

В. Степанова. Эскизы спортивных костюмов.

Старинные усадьбы на полотнах Борисова-Мусатова

В.Э. Борисов-Мусатов. «Водоем». (1902 год.) 177 х 216 см. Государственная Третьяковская галерея. (В Русском музее находится её авторская версия под названием «У водоёма».)

Любимая женщина Бориса Кустодиева, во имя которой он превозмог адскую боль и создал лучшие свои работы.

В.Э. Борисов-Мусатов. Дама в качалке (эскиз к неосуществленной картине

В.Э. Борисов-Мусатов. «Гобелен». (1901год). Холст, темпера. Государственная Третьяковская галерея.

В.Э. Борисов-Мусатов. «Изумрудное ожерелье». (1903-1904 гг.) Государственная Третьяковская галерея.

В.Э. Борисов-Мусатов. «Реквием». (1905 год). Бумага на картоне, акварель, черный карандаш, сангина. Государственная Третьяковская галерея

Памятник на могиле В. Э. Борисова-Мусатова

«Он умер, оставив нам тихие образы. И хотя над его величавыми созданиями тихо несется время, они остаются… У времени и у них одно общее — вечность. Валы времени унесут, полыхая, его имя в даль веков, падая в темные глубины и снова вынося на гордые гребни»,Недуги великих художников, как испытание силы духа: От чего страдали Кустодиев, Ренуар и другие.

Горы и море

Исполнитель: Хелен Франкенталер

Год: 1952

Горы и море (1952) — Хелен Франкенталер

Лирическая абстракция — это термин, придуманный для определения искусства, сигнализирующего о возвращении к самовыражению, а не к геометрической абстракции и минимализму. Хелен Франкенталер — одна из самых известных женщин-абстракционистов и выдающийся образец лирической абстракции. «Горы и море», ее первая профессионально выставленная работа, также является ее самой известной живописью и ярким примером лирической абстракции. Это была первая работа, которую она создала, используя свою знаменитую технику замачивания пятен, в которой Хелен вылила разбавленную скипидаром краску на холст, создавая яркие цвета, сливающиеся с холстом.

Любовь Попова

Любовь Попова родилась в Московской губернии в 1889 году в богатой купеческой семье. Ее отец был покровителем искусств, а среди родственников по линии матери было множество деятелей культуры, историков и коллекционеров. В 1907 году девушка поступает в студию Станислава Жуковского, а затем переходит в частную художественную школу Константина Юона и Ивана Дудина. Вскоре художница отправится в Италию, где возьмет несколько уроков живописи

Попова много путешествует и по России, что оказывает влияние на ее творческую манеру: она обращает внимание на работы древнерусских мастеров. Также она изучает французскую живопись, некоторые ее работы вдохновлены творчеством Сезанна, где-то слышны отголоски готического искусства. 

Значимым этапом в творческом развитии художницы стала поездка в Париж в 1912 году. Там она знакомится с кубизмом, который вскоре занимает центральное место в ее работах. Летом 1913 года Попова создает кубофутуристическую серию композиций с обнаженными фигурами, в которой французский кубизм сплетается с русским авангардом. В 1914 она выставляется вместе с «Бубновым валетом» и вскоре снова отправляется в путешествие по Италии.

Любовь Попова «Пространственно-силовая конструкция», 1921 г., Государственная Третьяковская галерея

Художница активно занимается кубофутуризмом, создавая, в первую очередь, натюрморты и портреты. Постепенно она приходит к собственному варианту беспредметной живописи, в котором сочетаются и принципы древнерусской живописи, и приемы авангарда.

В 1916-1917 году она участвует в создании общество «Супремус» под предводительством Казимира Малевича. В 1918 выходит замуж за историка искусства Бориса фон Эдинга — через год он умрет от тифа. Попова долго не может прийти в себя и вернуться к работе. В 1921 году она создает цикл «Пространственно-силовых построений» — это будет ее последняя работа. Она оставляет занятия живописью и начинает преподавать. 

Попова сближается с конструктививстами и участвует в их выставке «5 × 5 = 25». С 1923 года начинает заниматься производственным искусством — работает в полиграфии, делает эскизы тканей, проектирует одежду. Любовь также будет работать с декорациями и станет одной из создательниц театрального конструктивизма. Она скоропостижно скончается от скарлатины в 1924 году в возрасте 35 лет.

«Бунтарки»

Но куда более масштабно и полноценно женщины смогли выразить себя в тех художественных стилях, что встали в оппозицию классицизму и академизму во второй половине XIX века: в самих программах импрессионизма, постимпрессионизма, модерна были заложены другие, отличные от старых схемы обучения и подражания, критерии качества и стратегии развития.

Берта Моризо (1841–1895) выставляла свои работы на парижских салонах, но в историю вошла как одна из «трех гранд-дам импрессионизма». Вместе с сестрой Эдмой она училась у Камиля Коро, однако Эдма оставила живопись вскоре после замужества. Берта же вышла замуж за Эжена Мане, который поддерживал ее занятия живописью. С братом Эжена Эдуардом Мане Берта была дружна, он написал много ее портретов; их произведения часто сравнивают, предсказуемо распределяя между ними роли «мэтра» и «последовательницы», несмотря на глубоко индивидуальный язык художницы:

Молодая женщина за туалетом. Берта Моризо. Между 1875 и 1880 годом

Портрет Берты Моризо. Эдма Моризо. 1865 год

Американка Мэри Кэссет (1844–1926) смогла поступить в Пенсильванскую академию художеств, но была разочарована этим опытом: к студенткам не относились всерьез, запрещали им посещение класса обнаженной натуры. Состоятельные родители Мэри поддерживали ее увлечение европейской культурой до тех пор, пока она не решила сделать искусство своей профессией: отец отказался оплачивать ее занятия живописью. Несмотря на неодобрение, Кэссет добилась успеха в Париже, она выставлялась с импрессионистами, дружила и работала с Эдгаром Дега. Самой известной темой ее работ были изображения детей, матерей с детьми, девушек — эти жанровые сцены обладают как тонкой интимностью и психологической глубиной, так и смелостью композиционных и колористических решений.

Купание ребенка. Мэри Кэссет. 1893 год

Сюзанна Валадон (1865–1938) попала в богемную среду благодаря тому, что ее мать держала прачечную на Монмартре, где жили и работали многие известные художники. Начав свою деятельность как натурщица, Валадон наблюдала за работой художников и смогла при жизни стать успешной художницей, первой из женщин была принята в Национальное общество изящных искусств. Ее творчество отмечено экспериментами, свойственными другим художникам постимпрессионизма; обнаженная женская натура в ее интерпретации эротизирована не менее, чем у Анри де Тулуз-Лотрека, прославившегося своими афишами для кабаре «Мулен Руж»:

Обнаженная на красном диване. Сюзанна Валадон. 1920 год

Чехол от скрипки. Сюзанна Валадон. 1923 год

Невозможно представить себе искусство русского модерна без Елены Поленовой (1850–1898), Марии Якунчиковой (1870–1902) и Анны Остроумовой-Лебедевой (1871–1955). Все три художницы являлись членами художественного объединения «Мир искусства». Поленова и Якунчикова — обе происходившие из семей, культуре не чуждых — обучались у русских и французских мастеров, были увлечены народным искусством и активно участвовали в абрамцевских мастерских в имении предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова, где художники могли быть свободны от иерархии видов искусств, которая была принята в Академии художеств и утверждала примат живописи и скульптуры над другими техниками и материалами. Реализовывая принцип соединения искусств и ремесел, заимствованный у английских прерафаэлитов, Поленова создавала эскизы предметов мебели и иллюстрации к русским сказкам:

Иллюстрация к сказке «Война грибов». Елена Поленова. 1880-е годы

Якунчикова выжигала деревянные панно, расписывая их масляными красками:

Осина и елка (панно). Мария Якунчикова. 1896 год

Обе художницы ушли из жизни молодыми, в некрологе в журнале «Мир искусства» Сергей Дягилев сожалел о ранней смерти Марии Якунчиковой: «Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть».

Анна Остроумова-Лебедева возрождала технику цветной ксилографии — гравюры на дереве, — в которой она создала целый ряд городских пейзажей с изображением Санкт-Петербурга, ставшими впоследствии каноническими образами города:

Цепной мост. Анна Остроумова-Лебедева. 1903 год

Фрида Кало (1907-1954 гг.)

Фрида Кало с фигуркой ольмеков. 1939 г. Фото Николаса Мурая. Rutage.com.

Что приходит в голову при упоминании имени Фриды Кало?

Темпераментная натура, брак с художником Диего Ривера, тяжёлая авария, сквернословие и, конечно, знаменитая монобровь…

За интересной биографией порой теряется само творчество. Но только не у Фриды. Ее картины столь же яркие и неповторимые, как она сама.

Больше всего Кало прославилась автопортретами. Причём почти всегда они были отражением её внутренних переживаний.

Картина «Диего и Я» – не исключение.

Фрида Кало. Диего и я. 1949 г. Частная коллекция. Pinterest.ru.

Фрида считала, что знакомство с Диего было одним из двух несчастий ее жизни. Он всегда был в её мыслях. Поэтому частые измены мужа были для неё крайне болезненными. Оттого мы и видим слёзы на глазах.

Вторым несчастьем Кало считала аварию, в которую попала. Она получила очень тяжёлые травмы: автобус, в котором ехала девушка, врезался в трамвай.

Она долго восстанавливалась после этого. Но до конца здоровье так и не вернулось. Она всю жизнь мучилась от постоянных болей, а ещё так и не смогла стать матерью.

Для Кало рисование было арт-терапией. Поэтому ее тело на полотнах то утыкано гвоздями, то покрыто алыми шрамами. Боль настоящая перерождалась в символы боли на картинах.

«Сломанная колонна» – тоже психотерапевтическая для Фриды работа.

В 1940-х ее ждало еще одно серьезное испытание. Когда-то сломанный в нескольких местах позвоночник не выдерживал нагрузок.

Врачи заставили Фриду носить полгода (!) стальной корсет. Это было невообразимо сложно и мучительно.

Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 г. Музей Долорес Патиньо в Мехико. Artchive.ru.

И вот Фрида рисует свой больной позвоночник в виде разрушающейся древнеримской колонны. В собранном состоянии ее удерживает только пресловутый стальной корсет. 

Фриду не интересовало, что от женщины ждали эстетичной живописи. Для неё это была возможность хоть как-то ужиться со своей болью и предчувствием смерти.

В результате Кало выработала уникальный стиль. Что-то среднее между сюрреализмом и фолк-артом. Она стала художником, чью кисть узнают сразу, даже без базовых знаний живописи.

Софонисба Ангиссола

Портретистка. Первая известная художница Возрождения. Родилась в 1532 году в Кремоне, в обеспеченной и благородной семье, старшая из семи детей. Её отец Гамилькар Ангиссола проявил удивительное для того времени свободомыслие, разрешив дочери брать уроки живописи у молодого художника Бернардино Кампи. Судя по портрету, нарисованному Софонисбой, она питала страсть к своему учителю, но искусство любила больше. Её работы отмечал сам Микеланджело и даже давал девушке кое-какие советы. В 27 лет она уехала из дома, стала придворной художницей испанского короля Филиппа II и более 10 лет рисовала парадные портреты принцев и принцесс. В 38 лет наконец-то вышла замуж за вице-короля Сицилии (!), спустя 9 лет супружества овдовела. По дороге в родную Кремону 47-летняя Софонисба встретила молодого капитана Горацио Ломеллино, через несколько месяцев вышла за него замуж и прожила ещё без малого 40 лет в счастливом браке. Оставила искусство в возрасте 90 лет, потеряв зрение.

Автопортрет

Пабло Пикассо. Разный и ищущий.

Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907. Национальная галерея Праги. Musei-mira.com.

Этот известный ловелас прославился не только частой сменой муз, но и частой сменой художественных направлений. В начале XX века он создал немало работ в “африканском стиле”, когда вместо лиц он рисовал маски экзотических племён. Потом был кубизм, а ещё абстракционизм и сюрреализм.

Пабло Пикассо. Герника. 1937. Центр искусств королевы Софии. Picasso-Pablo.ru.

Вершиной его творчества можно назвать эмоциональную «Гернику» (см. выше), посвящённую разрушенному войной городу. Символ страдания и варварства.

Именно Пикассо придумал соединять в портретах анфас и профиль, разбивать предметы на простые фигуры, собирая в удивительные формы.

Он изменил весь ландшафт изобразительного искусства, обогатив его революционными идеями. Разве мог кто-то до Пикассо так написать портрет знаменитого мецената Амбруаза Воллара?

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва. Arts-museum.ru.

Поскольку вы здесь…

… у нас есть небольшая просьба. Портал «Матроны» активно развивается, наша аудитория растет,
но нам не хватает средств для работы редакции. Многие темы, которые нам хотелось бы поднять и которые
интересны вам, нашим читателям, остаются неосвещенными из-за финансовых ограничений.
В отличие от многих СМИ, мы сознательно не делаем платную подписку, потому что хотим,
чтобы наши материалы были доступны всем желающим.

Но. Матроны — это ежедневные статьи, колонки и интервью, переводы лучших англоязычных статей о семье
и воспитании, это редакторы, хостинг и серверы. Так что вы можете понять, почему мы просим вашей помощи.

Например, 50 рублей в месяц — это много или мало? Чашка кофе?
Для семейного бюджета — немного. Для Матрон — много.

Если каждый, кто читает Матроны, поддержит нас 50 рублями в месяц,
то сделает огромный вклад в возможность развития издания и появления новых актуальных
и интересных материалов о жизни женщины в современном мире, семье, воспитании детей,
творческой самореализации и духовных смыслах.

Артемизия Джентилески

Артемизия Джентилески — символ борьбы женщины за право быть художником в Италии XVII века — стала первой женщиной, принятой в старейшую в Европе Академию изящных искусств во Флоренции. Самое узнаваемое произведение Джентилески «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» изображает акт расправы целомудренной девы над мужчиной-врагом. Для Артемизии, пережившей в юном возрасте акт насилия, эта работа стала не только оммажем знаменитой картине Караваджо, но и способом справиться со своей детской травмой. О жизни Артемизии Джентилески было написано несколько книг, а в 1997 году французская режиссёр Аньес Мерле сняла по мотивам её биографии художественный фильм.

Камилла на смертном одре

Клод Моне дал рождение художественному направлению «импрессионизм» благодаря картине «Впечатление. Восходящее солнце». Но самой знаменитой его работой считается серия полотен «Водяные Лилии».

Однако критики считают, что известность ему принесла картина «Камилла, или Портрет дамы в зеленом платье». На ней творец изобразил свою музу и жену Камиллу Донсье (Камиль Домкьюз). Долгие годы она оставалась единственной моделью художника. Камилле нравилось замирать перед холстом, и большая часть женских образов Моне списана именно с нее. Супруга позировала мужу во многих картинах. Ее задорный портрет можно увидеть на картине «Японка». В отличие от большинства других работ Моне, эта работа не столь насыщена светом. Она же прогуливается вместе с сыном по лугам на полотне «Прогулка: Камилла Моне с сыном Жаном (Женщина с зонтиком)».

Клод Моне/Женщина с зонтиком

Клод прожил с супругой 15 лет. После смерти он решил изобразить Камиллу на смертном одре, окутанной голубой дымкой. Так появилось одно из самых волнующих произведений, вышедших из-под кисти импрессионистов – «Посмертный портрет Камиль Домкьюз».

В заключение

Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:

Артемизия Джентилески – это барокко XVII века;

Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же XVII века;

Элизабет Виже-Лебрен – рококо XVIII века;

Мэри Кассат – импрессионизм XIX века;

Наталья Гончарова – русский авангард XX века;

Джорджия О’Кифф – модернизм XX века;

Фрида Кало – сюрреализм того же XX века. 

Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Подведем итог

На свете жили тысячи художников. Но лишь единицы смогли стать знаменитыми настолько, что их знает почти каждый житель Земли.

Кто-то из них жил 500 лет назад, как Леонардо, Рафаэль и Босх. А кто-то творил в XX веке, как Пикассо и Дали.

Что их всех объединяет? Они все, каждый по-своему, меняли то время, в котором жили. Как сказал искусствовед Александр Степанов, лишь посредственный художник живет в ногу со своим временем.

Ждём следующего гения такого же масштаба. Может, он уже творит прямо сейчас. Джефф Кунс? Недаром его Надувная Собака была не так давно размещена в Версале. А может, Дэмьен Херст? Или дуэт художников Recycle group? Как думаете?..

Джефф Кунс. “Надувная собачка” на выставке в Версале в 2008 г. Buro247.ru.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.